NUOVE INCISIONI, DVD

CD
European Guitar of the Twentieth Century
Interprete: Stéphan Masserano
Compositori: Benjamin Britten, Ernst Krenek, Mario Castelnuovo-Tedesco, Michele Dall’Ongaro, Rolf Riehm
EAN 0633157380338, Da Vinci Publishing 2026

Descrizione: CD Realizzato con il contributo del CIDIM, della Fondazione Accademia Internazionale "Incontri col Maestro" di Imola e la Fondazione Accademia Musicale Chigiana 

Le cinque opere qui riunite ripercorrono il cammino della chitarra europea attraverso i mutamenti del tempo, della forma e della sonorità. Mario Castelnuovo-Tedesco raccoglie diversi secoli di danze e variazioni in un ampio panorama storico. Ernst Krenek sottopone la suite della tradizione all’organizzazione dodecafonica. Benjamin Britten trasforma un canto elisabettiano in una serie di riflessioni la cui fonte si rivela soltanto alla fine. Michele dall’Ongaro traduce il ricordo personale in colore, risonanza e movimento cerimoniale. Rolf Riehm affida alla chitarra una meditazione politica sulla morte e sul diritto al lutto. Variations à travers les siècles op. 71 fu la prima composizione per chitarra di Castelnuovo-Tedesco. Scritta nel 1932 e dedicata ad Andrés Segovia, segnò l’inizio di una collaborazione fondamentale per il rapporto del compositore con lo strumento. Segovia contribuì anche alla preparazione della partitura per la pubblicazione. Nel gennaio 1933 Castelnuovo-Tedesco riferì che la copia inviata a Schott riproduceva un manoscritto già corredato della diteggiatura di Segovia. Il testo a stampa conserva dunque un dialogo concreto tra concezione compositiva e realizzazione strumentale. Il titolo annuncia un viaggio attraverso gli stili storici. Una Chaconne pone il fondamento generatore in re minore, con un tema conciso le cui cellule rimangono attive lungo tutta l’opera. Il Prelude rinnova questo materiale attraverso un moto continuo e figurazioni in terzine. Due Walzer spostano l’attenzione verso l’Ottocento, trasportando il tema in un universo metrico e armonico più leggero e aprendo la sonorità verso re maggiore. Il Fox-Trot conclusivo approda alla contemporaneità urbana degli anni Trenta attraverso la sincope e un disegno più libero e ampio. Il contrasto stilistico e la continuità motivica governano la successione. La forma barocca, la danza romantica e il ritmo della moderna musica da ballo diventano stati diversi della stessa sostanza musicale. La tonalità rimane il principale campo di riferimento, mentre alterazioni cromatiche, inflessioni modali e trasformazioni ritmiche ne ridefiniscono continuamente il significato espressivo. In questa concezione della variazione, consapevole della storia, i generi ereditati dalla tradizione diventano elementi attivi del processo compositivo. La Suite für Gitarre allein op. 164 di Krenek appartiene alla maturità del suo periodo americano e alla rinnovata disciplina seriale cui il compositore si dedicò nel 1957. Composta per Theodore Norman su commissione della Fromm Music Foundation, ebbe la sua prima esecuzione documentata a Tanglewood nel luglio 1958, affidata a Judith Hosler. I cinque movimenti — Allegro moderato, Andante sostenuto, Allegretto, Larghetto e Allegro — conservano la successione concisa e la varietà di caratteri proprie della suite classica. La loro organizzazione interna è governata da un’unica serie dodecafonica. La serie è costruita in gran parte sull’alternanza di seconde maggiori e minori, con quarte giuste e diminuite a segnare i punti di articolazione. Il movimento lineare e la tensione armonica scaturiscono quindi dalla stessa matrice intervallare. Krenek limita le operazioni seriali con notevole economia. I primi tre movimenti impiegano la forma originale della serie; il quarto si limita all’inversione; il finale accosta originale e inversione a segmenti del retrogrado e dell’inversione retrograda. La trasposizione sistematica non rientra nel progetto. Ogni movimento acquista una propria identità attraverso il registro, il ritmo, la densità e la forma della serie prescelta. Il titolo di ascendenza storica e il metodo seriale si rafforzano reciprocamente. La suite offre una cornice di contrasti e ritorni, mentre la serie assicura la coerenza armonica. Krenek tratta la chitarra come un campo di linee nettamente definite, attacchi isolati e intervalli risonanti, la cui disposizione nello spazio sonoro rende chiaro il disegno seriale. Il Nocturnal after John Dowland: Reflections on ‘Come, Heavy Sleep’ op. 70 di Britten nacque dal suo lungo sodalizio con Julian Bream. I due si conobbero nel 1952 e, prima dell’opera solistica, i Songs from the Chinese per tenore e chitarra offrirono a Britten un’esperienza diretta della musicalità di Bream. Scritto per lui e curato editorialmente con il contributo della sua esperienza strumentale, il Nocturnal fu eseguito per la prima volta da Bream al Festival di Aldeburgh il 12 giugno 1964. Fu inoltre la prima partitura pubblicata da Faber Music. La fonte è Come, Heavy Sleep di Dowland. Britten rovescia l’ordine convenzionale del tema con variazioni. Il canto rimane nascosto, mentre i suoi intervalli, ritmi, gesti e risvolti espressivi attraversano una successione di riflessioni autonome. Ogni sezione abita uno stato psicologico e musicale distinto, dalla quiete e dalle risonanze sospese all’agitazione, alla declamazione e a un’insistenza dal carattere di marcia. La loro successione acuisce nell’ascoltatore la percezione di un originale assente. Una passacaglia, verso la conclusione, raccoglie i frammenti precedenti intorno a un basso ostinato. La sua stabilità viene progressivamente turbata, preparando l’apparizione finale del canto di Dowland e il chiarimento retrospettivo dell’intera struttura. Il linguaggio armonico trae forza da questa rivelazione differita. Linee cromatiche, note di riferimento e risonanze delle corde a vuoto suggeriscono relazioni la cui identità storica rimane latente. Quando appare la melodia di Dowland, il suo profilo modale e tonale fa rileggere la musica precedente come un insieme di ricordi, deformazioni e anticipazioni. Britten aveva esplorato un analogo procedimento di variazione a ritroso in Lachrymae, anch’esso derivato da Dowland. Nel Nocturnal, le immagini del sonno, della malinconia e della morte presenti nel testo originario plasmano l’universo espressivo dell’opera. La critica dell’epoca riconobbe, fin dalla prima esecuzione, la fantasia analitica del lavoro e la sua concentrazione sulla sostanza musicale di Dowland. Il posto che esso ha successivamente conquistato nel repertorio si fonda sulla fusione tra il controllo della forma su vasta scala e una conoscenza precisa dell’articolazione, dello smorzarsi del suono e del silenzio. Le origini di Céladon di dall’Ongaro risiedono in un ricordo personale di Oscar Ghiglia. Il compositore lo conobbe nel 1983 a Monteflavioinconcerto, un festival dal programma audace, tenutosi per una sola estate in un paese collinare vicino a Roma. Un tendone da circo fu reso acusticamente adatto grazie a una conchiglia precedentemente utilizzata in Piazza del Duomo a Spoleto. Il programma comprendeva la prima esecuzione moderna dell’opera in un atto Le Testament di Ezra Pound, composta con l’assistenza di George Antheil, e un memorabile recital di Ghiglia. Le serate proseguivano in una trattoria locale, tra fettuccine, carne di castrato e generose brocche di vino del posto: occasioni nelle quali le amicizie si consolidavano e prendevano forma nuovi progetti. Quei ricordi riaffiorarono quando Giovanni Puddu, con il coinvolgimento di Nicola Sani, invitò dall’Ongaro a scrivere un breve lavoro in memoria di Ghiglia per l’Accademia Musicale Chigiana. Dedicata a Puddu e da lui eseguita per la prima volta a Palazzo Chigi Saracini nell’agosto 2024, la partitura è un’intensa miniatura costellata di segnali d’assenza. Tocchi di campana, accordi lontani e ricordi appena affioranti si dispiegano all’interno di un simbolico corteo funebre. Dall’Ongaro definisce il brano un piccolo poema sinfonico: una descrizione che ne indica il percorso drammatico condensato e la stratificazione del colore strumentale. Il titolo rimanda al celadon, una tonalità ceramica nella quale il grigioverde è sfiorato da delicate sfumature azzurre. Questa mescolanza definisce il clima emotivo dell’opera. Tranquillità, equilibrio naturale e sobria eleganza avvolgono i suoi gesti commemorativi. La chitarra viene gradualmente messa in vibrazione, come se un tocco fugace risvegliasse corde già cariche di ricordi. La risonanza diventa il principale elemento portante della forma. I suoni appaiono, si allontanano e ritornano a distanza; sonorità di campane scandiscono il movimento processionale; gli accordi acquistano peso espressivo attraverso la disposizione delle note e il progressivo estinguersi del suono. Nell’arco di sei minuti, ricordo privato, omaggio pubblico e colore si mantengono in stretto equilibrio. Il legame con Ghiglia si incarna nella chiarezza dei gesti musicali e nella continuità che l’opera crea tra un artista ricordato, la tradizione della Chigiana e un nuovo lavoro scritto per il presente. Il Notturno für die trauerlos Sterbenden di Riehm nacque dalla crisi politica e morale legata alla morte dei detenuti di Stammheim nel 1977. Il titolo può essere inteso come «Notturno per coloro che muoiono senza essere pianti». Riehm reagì a un clima pubblico nel quale ai morti potevano essere negate la dignità e le ritualità del lutto. Concepì il lavoro come un atto di memoria e una protesta contro l’erosione della capacità umana di piangere i propri morti. In una lettera successiva lo descrisse come un brano piccolo ma importante, il cui significato politico risiedeva nella difesa della dignità della vita e della morte. Il carattere meditativo della musica è parte integrante di questo intento. La scelta della chitarra reca con sé una precisa valenza storica. Per Riehm, lo strumento possedeva una voce intima e vulnerabile e richiamava i canti di protesta e la cultura della partecipazione musicale della generazione del Sessantotto. Queste associazioni entrano nell’opera attraverso un linguaggio concentrato sull’attacco, sulla risonanza e sul confine tra suono ad altezza determinata e rumore. Al pizzicato convenzionale si affiancano golpe, colpi trasversali e percussioni bitonali sulle corde. I gesti percussivi scandiscono le interruzioni della linea, mentre le risonanze prolungate conservano tracce di suoni scomparsi. Il titolo Notturno colloca il materiale in una dimensione di riflessione notturna, orientando l’interiorità propria del genere verso un lutto politico condiviso. Michael Koch-Mattheis ne diede la prima esecuzione documentata nel catalogo del compositore a Francoforte, nel febbraio 1978. Nell’intero programma, la chitarra collega prospettive diverse: Castelnuovo-Tedesco lascia che un tema attraversi i generi ereditati dalla tradizione; Krenek conferisce alla suite una grammatica seriale; Britten ricostruisce Dowland a partire da riflessioni disseminate; dall’Ongaro rende udibile il ricordo attraverso il colore e la risonanza; Riehm unisce il lutto alla memoria etica di una generazione politica. Ogni opera costruisce, a partire da questi elementi, una propria concezione del tempo. Il passato si manifesta come stile, archetipo formale, canto nascosto, ricordo personale e storia irrisolta, e ogni partitura trasforma questa eredità in un presente distinto. Giuliano Marco Mattioli © 2026
Elenco brani:
1. Mario Casetlnuovo-Tedesco (Firenze, 3 aprile 1895 – Beverly Hills, 16 marzo 1968) Variations à travers des siècles (10:05) 2. Ernst Heinrich Křenek (Vienna, 23 agosto 1900 – Palm Springs, 22 dicembre 1991) Suite op. 164 I Allegro Moderato (00:50) II Andante sostenuto (02:04) III Allegretto (00:38) IV Larghetto (02:09) V Allegro (01:08) 3. Benjamin Britten (Lowestoft, 22 novembre 1913 - Aldeburgh, 4 dicembre 1976) Nocturnal after John Dowland op. 70 I Musingly (02:33) II Very agitated (00:50) III Restless (01:45) IV Uneasy (01:16) V March-like (01:38) VI Dreaming (02:18) VII Gently Rocking (1:18) VIII Passacaglia (04:52) IX Slow and quiet (02:50) 4. Michele dall'Ongaro (Roma, 16 novembre 1957) Céladon (prima registrazione mondiale) (05:55) 5. Rolf Riehm (Saarbrücken, 15 June 1937) Notturno für die trauerlos Sterbenden (05:39)